• Таисия Папина - автор публикации Клатч из трикотажной пряжи. Подсказки  начинающим.
    Отмена
    Клатч из трикотажной пряжи. Подсказки начинающим.

    Сообщение будет помечено как спам. Указать другую причину:

    Хочу рассказать как я делаю Клатчи из трикотажной пряжи.

    Для клатча размером 25 на 15 см. нам потребуется метр кругового трикотажного полотна, которое в простонародье именуется чулком. Разделяем его на полоски в 2,75 см шириной. Технологию нарезки можно посмотреть в интернете в открытом доступе. А ширину полоски указываю потому, что она мной выстрадана и вымеряна. Полоски растягиваем с усилием, в результате они вытягиваются примерно на треть и скручиваются. И вот вам готовая трикотажная пряжа! Ровная, гладкая, без разрывов, без связок, все одной ленточкой, длина которой получается примерно 100 метров. 

    Клатч вяжу обычной платочной вязкой - когда все петли и все ряды лицевые. Вязка очень плотная, например, эту довольно толстую пряжу, я вяжу на спицах 3,5 мм. Пробовала на пятерке, но не получилось сделать достаточно плотно. 

    Должно получиться плотно, примерно 25 на 50 см. Иногда получается уже, иногда короче. Тогда и сумочка получается немного другая. На такой клатч у меня уходит дня два, три, пальцы болят! Пробовала даже в наперстке вязать, но неудобно. 

    Сшиваем клатч по бокам трикотажной пряжей, измеряем его, и в соответствии с этими размерами шьем подкладку. Если клатч получается плотным и хорошо держит форму, то подкладку я дублирую только флизелином, а если мягковатый клатч вышел, то подкладку сажаю на жесткий сорочечный дублерин. На подкладке делаю два кармана на молнии - это, чтобы понадежнее можно было припрятать самое ценное, типа проездного билета, наружного кармана-то нет! 

    Потом ставлю застежку и вручную вшиваю подкладку в клатч, пришиваю полукольца для крепления ручки, саму ручку-петельку пришиваю к карабину. А дальше начинается самое интересное - дальше идет творчество! Начинаю придумывать украшение (а заодно и маскировку застежки). Вяжу я это украшение все той же платочной вязкой из тонкой хлопковой пряжи. Свяжу, прикину - перевяжу. Это долго, но интересно. Надеюсь, мои подсказки вам помогут.

    Удачи!


    Прочитать

    Вы сообщили, что в этом сообщении содержится Спам.

    Ваше обращение будет рассмотрено модераторами.

  • Светлана Ильюшонок - автор публикации Волшебница ГЛИНА
    Отмена
    Волшебница ГЛИНА

    Сообщение будет помечено как спам. Указать другую причину:

    Здравствуйте, меня зовут Светлана Ильюшонок, я художник-керамист и мастер гончар, но так было не всегда!

    Я была руководителем службы в довольно крупной организации и была вполне довольна жизнью, до тех пор пока не познакомилась с глиной! Хочу предостеречь всех, кто только думает попробовать себя в роли керамиста. Глина потрясающий, магнетический, волшебный материал, который может изменить всю вашу жизнь, изменить совсем, перевернуть все с ног на голову и захватить все ваши чувства и мысли, как это и случалось со мной). Но не бойтесь у меня все хорошо и теперь я по настоящему счастливый человек!

    Мое знакомство с глиной было неожиданным, в одно обычное утро я проснулась с диким желанием научиться работать на гончарном круге, я честно была в шоке, не понимала, что происходит, зачем мне это, и пыталась выкинуть из головы эту шальную идею. Но шли дни, а меня не отпускало, и стала искать мастерскую, где можно хотя бы посмотреть как это делают, но в то время в нашем городе таких мастерских не нашлось! Именно поэтому я пишу сейчас об этом, знаю, насколько трудно найти специалистов, желающих поделиться своим опытом, когда я их находила, то непременно чувствовала за внешней оболочкой, скрытность и нежелание делиться опытом, некоторые отговаривали: зачем, это тяжело, будут болеть руки и спина, в доме много грязи... Со мной не помогло, я шла, искала в ближайших городах, в интернете, поступила в институт и закончила его (Кафедра керамики) но знания до сих пор добываю сама, с каждой новой работой узнаешь что-то новое, учишься и пробуешь, радуешься и огорчаешься и снова пробуешь, такова жизнь всех керамистов.

    Если кому-то интересна тема керамики, пишите мне, задавайте вопросы, буду стараться отвечать на них, мне не жалко моих знаний, я с удовольствием поделюсь своим опытом, иногда больно смотреть на работы некоторых "мастеров", но может и их ни кто не хотел учить...

    Прочитать

    Вы сообщили, что в этом сообщении содержится Спам.

    Ваше обращение будет рассмотрено модераторами.

  • Сергей Матвеев - автор публикации История дизайна - Готический стиль 19 века. Часть 6.
    Отмена
    История дизайна - Готический стиль 19 века. Часть 6.

    Сообщение будет помечено как спам. Указать другую причину:

    Нравственность и дизайн.

    Огастес Пьюджин - один из ярчайших архитекторов 19 века. Для него не существовало границы в декорируемых предметах. Он одновременно создавал архитектурные проекты зданий и разрабатывал дизайн керамической посуды для компании Minton & Co. Проектируя здания, Пьюджин не останавливался только на архитектуре, он создавал полностью интегрированные проекты, продумывая все от детали мебели, витражи, бумажные обои, ткани и плитку.

    Пьюджин не только привносит в дизайн комплексный подход, но и претендует на философский и нравственный контекст. 
     
    The Times в 1852 г. пишет: “Огастес Пьюджин первым указал, что наша архитектура оскорбляет не только законы красоты, но и законы нравственности”. Дизайн становится средством самоидентификации целых народов, теперь классицизм - это языческий стиль, неприемлемый для христианской страны. А готическая архитектура - архитектура нравственная и лучше всего выражает основы католицизма. 
    Дизайн начинает выражать идеологию, претендует на участие в определении законов нравственности, а дизайнер становится носителем этой идеологии, транслирует свои философские воззрения через дизайн тарелок и и Вестминстерский дворец.

    Характерные детали и черты готической архитектуры:

    • Витражи в обширных оконных проемах



    • Вимперги



    • Окна-розы



    • Доминирование вертикалей, усложняющих силуэт


    • Обилие скульптурного декора, в том числе изображающего фантастических существ


    • Декоративные завершения — фиалы


    • Стрельчатые арки


    • Нервюрные (с ребрами) своды

    Характерные детали и черты неоготической архитектуры:

    • Вместо каменных элементов — штукатурная декорация
    • Детали исторического стиля наложены на фасад совре­менного, часто много­этажного здания с регулярной сеткой окон


    • Масштаб деталей укрупнен
    Прочитать

    Вы сообщили, что в этом сообщении содержится Спам.

    Ваше обращение будет рассмотрено модераторами.

  • Екатерина Гарифуллина - автор публикации Мастер-класс “Зайка”
    Отмена
    Мастер-класс “Зайка”

    Сообщение будет помечено как спам. Указать другую причину:

    Как сшить зайца Тильду - 10 простых шагов для начинающих.


    Вам понадобится:

    • ткань для туловища
    • ткань для костюма
    • набивка
    • тонкая проволока
    • нитки мулине для отделки деталей и мордочки
    • клеевая лента (паутинка)
    • краска для ткани и румяна для щёчек


    Выкройка деталей для зайки:



    1. Чтобы ушки смотрелись интереснее, комбинируем два вида ткани. 

    Складываем их вместе лицевой стороной внутрь. Переносим на ткань выкройку ушек.


    2. Складываем бежевую ткань пополам лицевой стороной внутрь. Переносим выкройки туловища, ручек, ножек.


    3. Скалываем булавками все детали, прошиваем по контуру ( в данном случае выкройки не содержат припуски).


    4. Обрезаем лишнюю ткань, оставляя припуски по 3 - 5 мм. Около отверстия у выворачивания припуски должны быть больше - 8 - 12 мм.


    5. Выворачиваем. Узкие детали можно вывернуть с помощью карандаша.


    6. Утюжим детали, набиваем.



    7. Потайным швом пришиваем к телу ножки и ручки. Для упрощения работы сначала сколите детали булавками.



    8. Делаем ушки гибкими. 

    Сложив проволоку пополам, пропускаем ее в ушко. Распределяем проволоку близко к краям ушка и фиксируем ее стежками нитками мулине.

    Пришиваем ушки к голове потайным швом, проколов проволокой ткань.


    9. Оформляем мордочку. 

    Рисуем глазки, румянец, вышиваем нитками мулине носик.

    Чтобы ровно вышить нос, сначала нанесем легкую разметку. Стежки делаем как можно точнее и ближе друг к другу. Узелков быть не должно, концы нитки просто прячем в ткань.



    10. Делаем одежду зайцу Тильде. 

    Переносим на ткань выкройки брюк и сарафана, состоящего из лифа, подола и бретелек. Лиф пришиваем к подолу, предварительно подогнув внутрь и прострочив края лифа. Складываем получившуюся деталь пополам, прошиваем. Подгибаем нижний край с помощью клеевой ленты (паутинки) и утюга.



    Далее у брючек сшиваем по контуру края до середины. Затем расправляем деталь так, чтобы эти швы оказались посередине, скалываем булавками, прошиваем по контуру.

    Низ брючек оформляем той же строчкой, что и ушки зайчика, нитками мулине. Пришиваем брючки к телу зайчика.



    Надеваем сарафанчик, пришиваем бретели, впереди делаем декоративные крестики. При желании на это место можно пришить пуговицы или бусины. Подол сарафана также можно украсить пуговицами, бусинами, декоративной строчкой, лентами, кружевом или вышивкой.


    Зайчик готов!


    В качестве аксессуаров зайцу можно пришить к лапке мягкую морковку, сердечко, веточку цветов. Такой наивный и немного застенчивый зайчик придется по душе всем без исключения!
    Меняя форму ушек, можно менять настроение зайца.


    Этот милый зверек добавит нежности в детскую комнату и станет отличным украшением интерьера.


    Прочитать

    Вы сообщили, что в этом сообщении содержится Спам.

    Ваше обращение будет рассмотрено модераторами.

  • Ольга Гиловейня - автор публикации Шерстяная акварель
    Отмена
    Шерстяная акварель

    Сообщение будет помечено как спам. Указать другую причину:

    Картины в технике "Шерстяная акварель" 

    Полагаю,  первооткрывателями в рисовании шерстью были люди, изначально увлёкшиеся валянием из шерсти.  Человек валяющий невольно обрастает клочками шерсти,  кусочками префельта - недовалянного войлока,  обрезками от шарфов,  окошками, образующимися от работы в технике прорезного декора -  это когда вещь валяется с проложенными внутрь между слоями шерсти для валяния кусочками плёнки. После  сваливания на месте прокладывания войлок разрезается до плёнки, плёнка вынимается и замыливается. Так образуются окна,  воланы и розочки. 

    Немного отклонилась от темы,  но это хомяк решил вставить свой пятак и рассказать всем,  что в валянии и рисовании шерстью отходов нет! Шерстяные картины бывают нескольких видов. Сегодня расскажу о шерстяных акварелях,  которые делаются без заваливания и шерсть крепится лишь стеклом, обрамляются картины в раму. Для шерстяных акварелей нет ограничений в выборе сюжета,  ведь это такая же живопись, как и красками,  только с меньшим набором оттенков в наличии. Чтобы изготовить шерстяные акварели,  необходимо подобрать фотографию,  картину или иллюстрацию с понравившимся изображением. Необходимо учитывать,  что наличие большого количества элементов в изображении предполагает больший размер работы и наоборот. Следует заранее убедиться,  что цвета в иллюстрации соответствуют основным цветам шерсти в наличии,  оттенки можно получить путём смешивания волокон двух - трёх цветов. 

    Начинаем изготовление картины с разбора рамки.  При большом формате лучше задник иметь из оргалита,  так как картонный прогибается посередине ввиду имеющейся толщины шерсти. Я промазываю всю поверхность задника ,  включая подвес металлический,  что имеется на всех рамках,  клеем ПВА. Под подвес мажем тоже. На клей накладываем белую ткань и от центра к краям разравниваем. Затем я прокладываю тонюсенький слой светлой некрашеной шерсти по всему размеру оргалита. 

    После этого делаю подмалёвок основными цветами на местах,  где находятся объекты. Для выдёргивания шерсти используем приём: пасму - прядь шерсти кладём на указательный палец и зажимаем четырьмя пальцами в ладони, палец остаётся внутри петли из шерсти. Большим и указательным пальцами правой руки скубём облачко из шерсти на указательным пальце,  шерсть в это время плотно удерживается в ладошке. Волокна как бы спутываются и так получаются нужные размытые цветовые пятна по местам расположения главных объектов. Для получения оттенков складываем два-три цвета вместе и рвём шерсть на разрыв,  снова складываем и снова рвём. Так получаются не длинные,  но нужного оттенка,  кусочки шерсти. К слову, шерсть лучше брать 18-20-22 микрон. Её легко рвать, потому как вся работа состоит в:

    1. вытягивании облаков - что я описала выше, 
    2. в резании - это чтобы получить например,  листву,  или подтенить впадины. Резание может быть крупнее - сирень и мельче - в пыль - для теней. Шерсть для окантовывания объектов подкатываем в ладошках.
    3. основную работу выполняем методом отщипывания.  

    Для этого маникюр не подходит. Это недюжинное усилие удаётся лишь при коротких ногтях. Только рваный край даёт эффект штрихов как при карандашном рисунке,  и мне очень это нравится. Работу делим на сегменты и стараемся проработать каждый из них... Стараясь понять,  какие цвета запечатлены в этом кусочке работы,  помним, что зелёный цвет включает в себя некоторую толику красного. Фиолетовый в тени становится бордо. Жёлтый-коричневым. Тень включает в себя тёмно-синий плюс тёмно-оливковы.


    Одуванчики


    Котэ


    При рисовании шерстью новичку будет проще,  если стёклышко будет под рукой и каждый новый объект лучше отслеживать при помощи стекла,  как он получается... Добавлять и отнимать,  где нужно... Вот и всё,  что способен передать язык человеческий,  чтобы описать прекрасный процесс создания душевности, уюта и тепла в доме,  где живёт любовь... А если ещё не живёт,  обзаведитесь тёплой картиной, любовь точно поселится в доме.  Скромными знаниями в деле, которое безгранично люблю,  поделилась я, профессиональный хэндмейдер, Ольга Гиловейня. 

    Прочитать

    Вы сообщили, что в этом сообщении содержится Спам.

    Ваше обращение будет рассмотрено модераторами.

  • Мария Балаева - автор публикации Серьги - подарок бога
    Отмена
    Серьги - подарок бога

    Сообщение будет помечено как спам. Указать другую причину:

    Существует одно древнее библейское предание, согласно которому перед тем, как навсегда изгнать провинившуюся Еву из рая, Творец повелел проколоть ей уши. После этого, видимо, из чувства сострадания подарил ей прелестные серьги, которые были украшены драгоценными камнями необычайной красоты. Говорят, что именно с тех пор серьги навсегда остались атрибутом женского наряда в различных национальных культурах.

    Что касается серег, то люди, которые их носили, искренне верили, что это защитит их от дурного глаза.

    В древности люди считали, что уши были вратами, через которые входили и выходили духи. Ко всему прочему, уши считались и прибежищем разума. Поэтому не удивительно, что жители древнего мира защищали уши, носили серьги в виде   змеев или колец.

    Древние римляне и греки считали, что уши являются священным хранилищем памяти. Однако же, в некоторых странах серьги носили только рабы.


    Серьги изначально являлись не женским, а мужским украшением. Их начали делать еще 7 тыс. лет назад в древней Азии. У древних египтян и ассирийцев серьга являлась символом принадлежности к высшему обществу. В древнем Риме серьги носили только рабы, а в Древней Греции – проститутки. Богатые гречанки и римлянки предпочитали серьги с жемчугом, указывающие на их достаток и высокое положение. Представительницы высшей знати носили в основном сережки с топазами, гранатом или сапфиром.

    В средневековой Европе мужские серьги то становились крайне популярными, то переживали периоды забвения. Католическая церковь в XIII в. ввела запрет на прокалывание ушей. Это было связано с тем, что людям не разрешалось изменять свое тело, сотворенное «по образу и подобию». Носить серьги продолжали в основном только воры, пираты и цыгане. Эти слои населения вкладывали в ношение сережек разные смыслы.

    Воры, таким образом, выражали презрение обществу и показывали свою принадлежность к преступному миру. Цыгане продевали в ухо серьгу тому мальчику, который родился после смерти предыдущего ребенка или является единственным сыном в семье. В среде пиратов серьга в ухе означала захваченный корабль.


    А до того как люди научились плавить металлы, они вставляли себе в уши кусочки дерева, камня или кости. У отдельных африканских народов серьги были не только украшением, они служили вполне практическим целям: не отягощенные одеждой, аборигены вынашивали в ушах чуть ли не все свое имущество - огниво, нож, трубку и так далее.

     В Средней Азии серьги вдевали девочкам в виде тонких золотых колечек, им приписывалась способность защиты ребенка от недобрых духов. Когда приходило время выходить замуж, эти серьги менялись подвески с сапфирами или гранатами – порой число камней соответствовало количеству детей, которых ожидали в будущем от молодой жены. Из-за тяжести таких подвесок они крепились не только к уху, но и к волосам.



    Традиция носить золотые сережки и серьги из серебра прижилась и на Руси. Серьги для русичей были не просто украшением, по ним можно было прочитать историю и социальное положение семьи. Так простолюдины носили серьги из меди и дерева, зажиточные торговцы могли позволить себе более дорогие серьги из серебра, ну а членам княжеской семьи полагалось носить серьги с изумрудами и рубинами. Во время боярства от прокалывания ушей отказались. В Петровскую эпоху мужские серьги тоже не пользовались популярностью: украшения были мало видны под длинными париками. Зато серьги красовались в ушах слоев непривилегированных. Ими вовсю «щеголяли» холопы. Серьга в ухе для них была символом принадлежности хозяину. В елизаветинские времена парики стали короче и мочки придворных модников украсились серьгами.

    Среди военных серьги вошли в моду во времена правления Павла I, это были именно женские серьги - русские женщины, чтобы уберечь солдат от шальной пули, дарили им свои серьги ("для милого дружка хоть сережку из ушка!"). Такие серьги были своеобразными оберегами, защищавшими от злых духов и шальных пуль, так они превратились в мужской талисман.

    Прочитать

    Вы сообщили, что в этом сообщении содержится Спам.

    Ваше обращение будет рассмотрено модераторами.

  • Марина Дворжецкая - автор публикации Маленькие хитрости швейного дела
    Отмена
    Маленькие хитрости швейного дела

    Сообщение будет помечено как спам. Указать другую причину:

    Наши советы помогут Вам облегчить творческий процесс:

    - Если швейная машинка не берет пластик или резинку, то потрите свечкой место, где должен пройти стежек.

    - Тонкую ткань, такую как трикотин, жоржет и крепдешин будет легче прошить на швейной машине и сделать ровную сточку, если подложить полоску бумаги под ткань.

    - Нанесите на металлические пуговицы бесцветный лак, тогда они не потеряют своего блеска.

    - Если на игле появилась ржавчина, то воткните ее в кусочек мыла и ржавчина пропадет.

    - Чтобы выпрямить изогнувшиеся пластмассовые спицы, окуните их в кипяток, а после сразу же в холодную воду.

    - Покупая новую пряжу, обращайте внимание на номер партии, ведь один и тот же цвет из разных партий может немного отличатся по оттенку.

    - Чтобы при вязании край изделия не скручивался и был аккуратным, всегда провязывайте с обеих сторон первую петлю лицевой.

    - Бейка будет выглядеть аккуратнее, если ее связать отдельно, а затем приметать к горловине.

    - Постирав готовую вязаную вещь, вешать ее нельзя, иначе она деформируется. Если изделие связано из цветных ниток, стекающая вода может покрасить другие нити.


    Прочитать

    Вы сообщили, что в этом сообщении содержится Спам.

    Ваше обращение будет рассмотрено модераторами.

  • Екатерина Гарифуллина - автор публикации История дизайна от Средних веков к Возрождению. Часть 2.
    Отмена
    История дизайна от Средних веков к Возрождению. Часть 2.

    Сообщение будет помечено как спам. Указать другую причину:

    Ремесла и изобретения Средневековья

    Средневековье называют “темными веками”, V - XV в. Этот период характеризуется культурным сдерживанием. Кроме этого в это время было открыто несколько великих изобретений: 

    VII в. - водяное колесо, так в промышленности стали использовать энергию воды, 

    IX в. - первый счетчик времени - песочные часы, 

    XII в. - печь для плавки железной руды, 

    XIII в. - первые механические часы, 

    XIII в. - прялка, упрощающая процесс производства нитей. 

    Все это вещи появились в результате рассуждений и поисков рациональных решений конкретных задач, а значит - в результате работы дизайнеров. Поэтому считать “изобретательство” и “дизайнерство” разными процессами неверно.

    Однако изобретательство - это мыслительное созидательное занятие, включающее рисование и эксперименты, лучшее решение находится методом проб и ошибок. А дизайнерство начинается с убежденности в том, что можно найти лучшее решение, а затем уже - попыток осуществить это решение. 

    Из-за роста торговли в Средние века дизайн, основанный на стандартизации, постепенно меняет свой характер. Появляются богатые запросы королевских дворов, церквей и купцов на дизайнерские товары высокого качества. Мастерам приходится выделять свои изделия среди других. Ремесленники начинают прокачивать не только уровень технического мастерства, но и художественную креативность. Так грань между ремесленниками и художниками стирается.

    Ремесляная мастерская средних веков


    От Средневековья к Возрождению

    На границе двух эпох ремесленники начинают создавать гильдии - объединения ремесленников одной профессии, своего рода монополии. Если не состоял в городской гильдии, то и своим делом заниматься не имел права. 

    Специальный совет оценивал работу ремесленников гильдии и выдавал разрешение на продажу изделий. Гильдия способствовала повышению статуса ремесленника-дизайнера. Как попадали в такие гильдии? 

    Нужно было пройти своеобразную школу ремесленничества. Сначала поступали в ученики. Получив необходимые навыки, становились подмастерьем. А усовершенствовав своё умение, получали звание мастера - высший уровень ремесленника. Такие гильдии служили гарантом качества изделий ручной работы. Из Средневековья ремесленные гильдии перешли в Возрождение.

    Ремесленные инструменты средних веков


    Прочитать

    Вы сообщили, что в этом сообщении содержится Спам.

    Ваше обращение будет рассмотрено модераторами.

  • Ирина Тюльнева - автор публикации Гончарное дело или ручная лепка
    Отмена
    Гончарное дело или ручная лепка

    Сообщение будет помечено как спам. Указать другую причину:


    Меня зовут Тюльнева Ирина. Много лет я работаю с глиной, попробовала разные способы и добычи глины, и приготовления, и лепки, и обжига. Хочу поделиться опытом. И первую статью предлагаю тем, кто пока только мечтает ступить на этот путь. Вы можете быть талантливым художником, но без вашего ежедневного труда путь к достатку будет очень долгим. Вы можете быть начинающим блуждающим в тумане новичком без своего стиля, без начального капитала, но ежедневный труд и упорство раскроют в вас потенциал, соберут вокруг вас вашу аудиторию и, конечно,  приведут к успеху. Главное вера и труд. Так где же взять бесплатную глину? Не секрет, что глина лежит в земле, мы горожане по сути своей забыли, что еда растет на земле и глина лежит под ногами.


    Это уникальная вещь - глина, она лежит под ногами и может принести вам доход. При правильном подходе даже миллионы. Первое, что вам может помочь - это интернет. Найдите всю информацию о глине в вашем районе, не ездите за тридевять земель, глина есть везде, на заброшенных заводах керамики и действующих, в карьерах с глиной. Где бы я не находилась, я сразу нахожу глину. Под Тюменью это Куштырлинский карьер между Винзилями и Богандинкой, в Куртамыше Нижневский карьер, в Феодосии огромный карьер с бело-голубой глиной прямо на краю города. Я просто внимательно смотрю вокруг, не стесняюсь расспрашивать людей и брать в руки привлекающие внимание кусочки земли. Это бесплатная глина. Но ее надо готовить. Это не сложно, не пугайтесь. Об этом в следующей публикации.

    Если же вам приготовление глины кажется сравнимым по сложности с полетом на Марс, то поступите проще, купите готовую глину. В мастерских керамики, магазинах, на интернет-просторах. Цена терпимая, ищите небольшие кусочки, чтобы методом проб и ошибок найти ту, которая вам понравится больше всего.

    Теперь, когда вы слепили свои первые шедевры, найдите в своем городе мастерские керамики, где можно обжечь свои работы. Обычно при полной загрузке печи цена дешевле, чем обжиг одной полки или одного изделия. Глазурь оставьте на лучшие времена, на первых порах расписывайте и тонируйте свои работы акриловыми красками для керамики Декола или Эль Греко. Они не смываются водой.

    Теперь надо отснять фотографии. Фотография - это залог ваших продаж, самая большая аудитория находится в интернете. Что касается местных ярмарок, вы, конечно, можете в них участвовать, чтобы стать известным в своем городе, засветиться и попасть на странички новостей в СМИ, но не надейтесь на то, что они принесут вам большой доход, обычно они заканчиваются грустным разочарованием мастера.

    Очень важно вести социальные сети с ежедневными новостями о своем творчестве, своих работах, своей жизни. Собирайте свою аудиторию. Пробуйте все социальные сети, потом, когда станет понятно, где у вас больше продаж, оставьте 2-3, чтобы не тратить на них огромное количество времени. Тему обещаю продолжить. Да поможет вам интернет!


    Прочитать

    Вы сообщили, что в этом сообщении содержится Спам.

    Ваше обращение будет рассмотрено модераторами.

  • Екатерина Гарифуллина - автор публикации С чего начать?
    Отмена
    С чего начать?

    Сообщение будет помечено как спам. Указать другую причину:

    Рекомендации по выкройкам

     
    Выкройки - это примеры раскроя ткани. Они продуманы и точны, поэтому нет необходимости что-то дополнять. Достаточно распечатать ее в желаемом формате и вырезать по контуру. Для удобства каждую деталь лучше подписать, например: “Заяц.Ухо - 4 шт.”
     
    Для более точного переноса выкройки на ткань лучше наклеить ее на картон и вырезать. Воспользуйтесь заостренными мелками, плоским кусочком мыло или специальными аквамаркерами для отрисовки.
     
    Если выкройка не содержит припуски на швы, при вырезании детали это нужно учитывать и оставлять по 5-7 мм от края. В тех местах, где находится отверстие для выворачивания и набивки нужно оставлять припуск 8-12 мм.
     
    Хранить выкройки можно несколькими способами. Например, проколоть отверстие на каждой детали одного вида игрушки и скрепить колечком или лентой.
     
    Можно хранить детали в конверте, подписав название игрушки.
     
    Еще один удобный способ - скоросшиватель. Удобно быстро находить необходимую выкройку.
     
    Порядок важен, помните: семь раз отмерь - один отрежь!

    Потайной шов
     
    Наверно все знают, но для новичков поясню. С помощью потайного шва зашивается отверстие для набивки, сшиваются многие детали кукол (например, руки пришиваются к туловищу), а также элементы одежды.
    Иглу вкалывают справа налево. Соединив сшиваемые детали, сначала следует ввести иглу в сгиб шва одной детали, точно так же захватить несколько нитей позади прокола, вывести иглу и протянуть нитку.
     

    Потайной шов


    Прочитать

    Вы сообщили, что в этом сообщении содержится Спам.

    Ваше обращение будет рассмотрено модераторами.

  • Екатерина Гарифуллина - автор публикации Четыре лайфхака успешного бренда изделий ручной работы
    Отмена
    Четыре лайфхака успешного бренда изделий ручной работы

    Сообщение будет помечено как спам. Указать другую причину:

    1. Фотографии

     
    Чтобы изделие захотелось купить, оно должно быть красиво сфотографировано.
    Если вы профессиональный фотограф или можете с ним сотрудничать - ноль проблем, для вас задача упрощается. Если такой возможности нет, то можно сделать красивое фото и в домашних условиях.

    Белый фотофон или мятая бумага

     
    Самыми продающими фотографиями являются снимки, сделанные на белом фоне. Поставьте или положите изделие на белую поверхность, желательно гладкую без рельефа. Изделие нужно фотографировать крупным планом. Если такой поверхности нет, можно использовать ватман или светлую простынь :-) А также хорошим фотофоном может послужить тонкая мятая бумага.
          
     
     


     
     
     
    Следите за горизонтом
     


    Важно не “заваливать” горизонт на снимке, то есть линии всех горизонтальных поверхностей должны быть параллельны линиям пола. По крайней мере пока вы не подкопите опыта для поиска более удачного ракурса.
     
     


     

    Вспышка? Не, не слышал
     
    Забудьте о вспышке. Если речь идет не о фотостудии, то самые лучшие снимки получаются при дневном свете. Вспышка и свет от лампы искажают цвет изделия. Поэтому лучше дождаться утра и сделать фото при дневном свете.

     

    Изюминка
     
    В зависимости от изделия можно создать  красивую композицию. Кадр можно украсить старой книгой, цветами или открыткой, поищите дома что-нибудь винтажное. Всё хорошо в меру, не должно быть переизбытка лишних деталей, внимание должно концентрироваться на основном изделии.
     

     
    Фокусируйтесь
     
    Сделать четкий кадр не сложно. Если на весу это сделать не получается, найдите опору. Если это снимок на телефон, для фокусировки нужно кликнуть на экране на изделие, чтобы оно получилось четким. Но если всё-таки кадр получается размытым, лучше ничего не выкладывать. Попробуйте протереть объектив :-) Попросите профессионалов помочь вам. Хорошая фотография - 50% успеха!
     

     

    Обработка
     
    Главное при обработке сохранить цвет изделий. Можно отредактировать яркость, контраст и тени. В настройках нужно увеличить эти параметры. Фотография должна получиться светлой и контрастной. Редактировать можно в стандартных настройках или с помощью программы VSCO. Ваша страница будет вызывать больше интереса, если все фотографии будут выполнены в одном стиле.
     

     

    2. История создания бренда
     
    Чтобы у вашего бренда было как можно больше фанатов, нужно разнообразить его интересной историей. Расскажите о том, с чего начинался ваш бренд.
     
    Добавьте в рассказ фотографии процесса вашей работы. Полусобранные изделия, снятие мерок, подготовительные этапы, недовязанные кофты - всё это будет интересно покупателям и станет свидетельством вашей ручной работы.
     
    Если у вас есть своя фирменная упаковка - коробки или винтажные конверты, полезным будет сфотографировать и ее. Покупателям будет приятно узнать, что вы потрудились над всеми нюансами. Это придаст еще большей уникальности.
     

     

    3. Ключевые слова
     
    Когда вы будете писать историю о своём бренде, важно не копировать текст с других источников. Не уникальный текст будет опускать рейтинг страницы бренда, поэтому пользователи не смогут найти вас через поисковый запрос.
    Мы ценим искренность - будьте уникальны! :-)
     
    При публикации бренда это условие будет проверяться модератором и если текст будет скопирован, модератор будет вынужден отказать.
     
    Зато покупателям будет легче вас найти, если вы расскажете немного о ремесле, с чего начиналась история создания таких изделий. Используйте в тексте ключевые слова: если изготавливаете валенки - полезно рассказать о валянии, если занимаетесь кожаными изделиями - расскажите немного о технике, которую применяете. Как появилась идея занимать изделиями ручной работы? Ваш источник вдохновения? Все это интересно узнать заинтересованному покупателю.
     
     
    4. Расскажите миру :-)
     
    Люди быстрее о вас узнают, если поделиться ссылкой на бренд в соц. сетях. Это не сложно, достаточно кликнуть на (самолётик) и выбрать соц. сеть.
     
     
    Желаем удачи в любимом деле! =)
     

    Прочитать

    Вы сообщили, что в этом сообщении содержится Спам.

    Ваше обращение будет рассмотрено модераторами.

  • Екатерина Гарифуллина - автор публикации История дизайна - Движение эстетизма. Часть 8.
    Отмена
    История дизайна - Движение эстетизма. Часть 8.

    Сообщение будет помечено как спам. Указать другую причину:

    Движение искусств и ремесел сменяется движением эстетизма. Для него характерно вдохновение идеей “искусство ради искусства”, нежели “ремесло ради ремесла”. Теперь дизайнеры не обращаются к местным национальным традициям, эстеты смотрят шире, выискивают вдохновение в экзотических явлениях - от мавританских изразцов до японского лака.

    В это время большое влияние на дизайн оказала Япония. Она постепенно открывается для внешнего мира в эпоху Мэйдзи 1868 - 1914. Теперь новое поколение дизайнеров многих стран оказалось очаровано декоративным богатством японской культуры и переносят это в свое творчество.

    Даже самые скромные предметы обладали гармоничным балансом между формой и функциональностью. Это свойственно для Японии, потому что уважение к сверхутонченному ручному труду там так велико, что ремесленники удостаиваются официального звания “живое национальное достояние”. Появляются поставщики изделий в стиле эстетизма.


    Поставщики эстетизма

    Первым, кто занялся массовым импортом товаров из Японии, был восточный склад-магазин Фармера и Роджерса в Лондоне в 1862 году.

    Другим поставщиком стал магазин художественной мебели Уильяма Уатта. В 1870-е гг. компания начала производить англо-японскую мебель по проекту Уильяма Годвина. Ярким образцом такой мебели был знаменитый сервант, 1867 г. Он отличается чёткой решётчатой конструкцией по мотивам японских ширм, в то же время - очень функционален.

    Одним из дизайнеров в стиле эстетизма был Томас Джекил. Создавал проекты для литейного завода Bishop & Barnard, расположенного в Норвиче. Ещё один дизайнер, представитель эстетизма, Чарльз Локк Истлейк. Создал настоящий трактат по оформлению интерьера "Советы по устройству дома", 1868.

    Стиль эстетического движения стал важным этапом на пути реформы дизайна: был культом красоты, способствовал культурному развитию, ценил внешний облик предметов при их практической пользе.

    Эстетизм и кофейный столик

    Английский архитектор Эдвард Уильям Годвин (1833-1886) внес в европейскую эстетику элементы восточного дизайна. В 1865 году Годвин построил первый в Великобритании дом в японском стиле - свой собственный. Именно благодаря Годвину появился такой предмет интерьера как кофейный столик, который использовался для чаепитий в саду. Изначально этот предмет мебели напоминал консоль и имел высоту более 70 см. Но под влиянием восточной культуры кофейный столик стал ниже и длиннее.

    Но кофейные столики не перестали меняться. Это мы поняли, когда увидели кретивный кофейный столик-консоль от DecorinWood =) Кстати, столик снова "подрос" и стал максимально приближен к своему первоначальному виду. Высокий, простой, функциональный. Ссылка на консоль: https://mellroot.com/decorinwood/products/pri-divannaia-konsol-enkel/


    Эстетизм и Дрессер

    Кристофер Дрессер, не слышали о таком? Воу, дак это же "отец промышленного дизайна"! =) Стал очень знаковым дизайнером эпохи Движения эстетизма.

    Изучал и придерживался тайны природных форм и считал, что дизайнеры могут использовать природную "правильность" в своих работах. Это направление получило название Ботаническое искусство. Он не только сам изучал дизайн, а не "молчал" о нем и доносил до людей, писал книги, вёл лекции.

    Орнаменты Дрессера состояли либо из стилизованных природных мотивов – цветов и растений, либо из геометрических форм и изогнутых линий. В основном природные мотивы использовал в дизайне обоев и текстиля, а правильные геометрические формы - в предметах быта.

    В основе всего его творчества лежат принципы функциональности - изделие должно выполнять ту функцию, ради выполнения которой оно создано, материал должен быть наиболее подходящим для изделия, его пропорции должны быть гармоничными, а форма – радовать глаз.



    Прочитать

    Вы сообщили, что в этом сообщении содержится Спам.

    Ваше обращение будет рассмотрено модераторами.

  • Екатерина Гарифуллина - автор публикации История дизайна - Движение искусств и ремесел. Часть 7.
    Отмена
    История дизайна - Движение искусств и ремесел. Часть 7.

    Сообщение будет помечено как спам. Указать другую причину:

    Движение искусств и ремесел.

    На фоне промышленной революции возникает движение искусств и ремесел. Это движение, оказало настолько сильное влияние не только на историю дизайна, но и историю искусств. Остановимся на нем чуть более подробно.

    Движение ставит своей целью: возрождения традиций ремесленничества прошлых веков. Идеи, подходы и философию движения мы проиллюстрируем на примере Уильяма Морриса, одного из ярчайших представителей движения.

    Уильяма Моррис бросил занятия теологией, чтобы заняться искусством, простое увеличение живописью и дизайном вылилось в одно из самых значимых культурных явлений конца 19 века.


    Morris & Co и возрождение ремесленничества.

    Уильям Моррис основал компанию Morris & Co в 1861 г. Предприятие ставило своей целью избавить рабочих от рабского и бездумного наблюдения за станком и воссоздание “радости труда” через предоставления большей творческой свободы в изготовлении продукции. Ради этого Морис отказывается от машин в пользу ручного труда, при этом стараясь производить рукотворные предметы для большинства, а не для богатого меньшинства.

    Тут философия и дизайн идут неразрывно, в подходе Морриса четко прослеживаются социалистические нотки. Он критикует несправедливость капиталистической модели, распределение прибыли, при которой рабочий у станка не получает прибыли от произведенной им продукции. Моррис одержим идеей создания братства людей, объединенных общими интересами, где каждый имеет право на достойный, творческий труд.

    Возрождение гильдий, честное распределение прибыли и возвращение к истокам ремесленничества становятся важнейшим постулатом Движения искусств и ремесел. Творческий ручной труд снова обретает ценность, но в новом преломлении. Теперь важно не количество затраченного труда, а то, как этот труд изменяет нашу жизнь. Процесс создания изделия должен быть творческим, а результат доступным и приятным в употреблении.


    Дизайн в духе Движения искусств и ремесел.

    Сегодня интерьеры Мориса могут показаться перегруженными, но по сравнению с высоким викторианским стилем они вполне минималистичны.
    Моррис пропагандирует мысль о том, что красота предмета - производное от его гармонии с природой, но не подражание ей. Он считает, что природа уже создала органично правильные формы и высшая цель дизайна - найти гармонию с этой природой. При этом гармония может быть достигнута путем возрождения старинных ремесленных традиций. Декор должен быть использован только там, где он имеет смысл. Так движение искусств и ремесел поддерживает модный тогда тренд на упрощенные формы.


    Движения искусств и ремесел и взгляд на архитектуру.

    В то время не была сформирована ценность старинной архитектуры, фасады зданий регулярно перестраиваются в угоду моды, а реставрации кардинально меняют облики зданий.
    Моррис считает величайшей стороной искусства - повседневность. Настоящее искусство в архитектуре заключается в изучении истории, в способности сделать прошлое частью настоящего. А историческая подлинность зданий должна быть неизменна и сохранена для будущих поколений.
    Эти идеи выражаются в 1877г. в создании первого в истории человечества общества по сохранению старинных зданий, которое получает в народе прозвище “Антислом”.


    Движения искусств и ремесел резюме.

    Моррис, идейный вдохновитель Движения искусств и ремесел, мечтает о создании утопии - Аркадии. Сельской идиллии, где человек создает практичные прекрасные предметы с помощью полезного творчества, а не бесполезного рутинного труда за станком. Так возникло Движение искусств и ремесел, которое:

    • ставит своей целью вернуть творчество в рабочий труд;
    • возродить систему профессиональных гильдий на манер средневековых гильдий;
    • предлагает простой, функциональный без излишеств и блеска, гармоничный с природой дизайн;
    • постулирует ценность архитектуры прошлого. Сегодня мы часто видим таблички “Памятник охраняется государством”, тогда это было абсолютное новшество.

    Движения искусств и ремесел оказало сильнейшее влияние на искусство начала 20 века во всех направлениях от живописи до архитектуры.

    Прочитать

    Вы сообщили, что в этом сообщении содержится Спам.

    Ваше обращение будет рассмотрено модераторами.

  • Сергей Матвеев - автор публикации ​Стимпанк или эстетика шестеренки
    Отмена
    ​Стимпанк или эстетика шестеренки

    Сообщение будет помечено как спам. Указать другую причину:

    Стимпанк не изучают в курсе истории искусств, ему не обучают как ремеслу в специальных училищах. Тем не менее, этот стиль все чаще встречается в предметном и интерьерном дизайне. Стимпанк берёт старинную эстетику, идеи и материалы, но создает абсолютно новую реальность, в которой так и не был придуман двигатель внутреннего сгорания и электронные устройства, а промышленное развитие пошло по пути развития паровой техники. Из неоготической архитектуры промышленной революции стимпанк заимствует витражи, вытянутые силуэты, стрельчатые арки, драматизм и темные тона.

    В истории художественной культуры никогда техника не служила источником вдохновения. Считалось, что индустриальность убивает искусство, что противоречие между красотой и машинами неразрешимо. Стимпанк разрешил это противоречие. Он помогает видеть прекрасное в механических узлах и зубчатых передачах, но отказывается от серийности, возвеличивает идею изготовления технических новинок вручную, каждый раз изобретая с нуля, как это делали ученые и инженеры XIX века.

    Термин «стимпанк» появился в 80-х годах. Однако произведения, ставшие его прародителями, были изданы в 60-х-70-х годах. Мир стимпанка содержит несколько характерных признаков, благодаря которым его достаточно легко опознать:

    Во-первых, базовый элемент – техника в самых разных своих проявлениях. Чаще всего – паровые двигатели и те технические достижения, которые двигаются за счет пара. Этот аспект наиболее важен, т.к. помогает определить характеристику одежды и аксессуаров данного стиля.

    Во-вторых, стимпанк может служить своеобразным синонимом урбанистичности. В нем нет никакой природы, зато он наполнен типичными городскими пейзажами: кирпич, трубы, булыжные мостовые, воздух, наполненный копотью фабричных труб.

    В-третьих, мир стимпанка предполагает некоторое сумасшествие своих обитателей, их гениальность, одержимость делом. Столь распространенные образы спятивших профессоров, помешанных на своих опытах и изобретениях, пришли к нам именно из стимпанка. Многие литературные персонажи, на первый взгляд не имеющие никакого отношения к данному стилю, все же считаются классическими его представителями: это сыщик Шерлок Холмс и его антагонист профессор Мориарти, Виктор Франкенштейн, Джек-Потрошитель, Дориан Грей.

    Стимпанк, как направление в искусстве, в целом, акцентирует внимание на механистичности природы, при этом механистичности в стиле ретро. Дирижабли, железные роботы, какими их представляли себе первые писатели-фантасты, зубчатые шестеренки и передаточные валы, тяжелые телефонные аппараты и воздушные шары – одним словом, механизмы, из которых практически целиком состоит пространство, являют собой характерный для стимпанка мир, мир-антиутопию. Интересно, что в нем сталкиваются старина и современность, нынешний мир оказывается вдетым в рамки прошлого - чертежи Леонардо да Винчи живут бок о бок с метрополитеном и освоением космоса.


    Как создать образ в стиле Стимпанк?

    Основные предметы одежды выбирайте в серых, коричневых и черных тонах, допустимы широкие полоски. Женщинам рекомендуется сочетание топа с жестким корсетом и турнюра (пышная сзади юбка). В таком же стиле может быть выполнено и платье, дополненное пышными рукавами.

    Мужчины могут носить рубашки на пуговицах с галстуками и брюками, в некоторых случаях с шортами. Женщинам такой вариант тоже может подойти, ведь стимпанк не подразумевает гендерных различий.

    Высокие ботинки на шнурках впишутся и в женский, и в мужской образ. Выберите узкие ботинки с небольшим каблучком, которые будут смотреться не так громоздко, как армейская обувь.

    Самым необходимым аксессуаром будут очки стимпанк. Вам понадобятся очки в стиле «авиатор», или так называемые «гоглы» с крупными деталями.

    Шестерни и винтики – отличительные черты стиля стимпанк, поэтому эти детали непременно должны присутствовать в вашем образе. Если у вас возникнут затруднения с поиском подобных аксессуаров, то можете попробовать следующий способ: разбейте старые часы, вытащите из них механизмы, затем скрепите отдельные части и сделайте из этого кулон. Покрасьте получившийся аксессуар бронзовой краской.

    Завершите образ в стиле стимпанк с помощью шляпы или аксессуаров для волос. Из головных уборов мужчины могут выбрать котелок или цилиндр. На внешнюю сторону прикрепите несколько винтиков, что придаст оригинальности. Женщины могут приклеить шестерни и винтики к своим зажимам для волос.

    Прочитать

    Вы сообщили, что в этом сообщении содержится Спам.

    Ваше обращение будет рассмотрено модераторами.

  • Алиса Майер - автор публикации Space Age Design
    Отмена
    Space Age Design

    Сообщение будет помечено как спам. Указать другую причину:

    Ээро Аарнио один из ярчайших представителей направления Space Age Design. В самом начале своей карьеры он стал экспериментировать с яркими цветами и формами.



    В формах его произведений проявились две основные парадигмы дизайна Space Age: выбор чистых геометрических форм, таких как сфера или куб, и стремление преобразовать их в динамичные и извивающиеся, органические, близкие к природе. Именно так появились кресла, которые заняли достойное место на террасах и в домах знаменитостей, обложках журналов и даже музеях.

    Кресло Pastilli было создано благодаря благодаря «сплющиванию» сферической формы:

    При этом дизайнер всегда придерживался классических принципов работы, творческий процесс начинается с бумаги и карандаша, и все рисунки создаются в масштабе 1:1.

    Направление Space Age, появившаяся во время космической гонки, стало знаковым для поп-культуры и сейчас переживает новый виток своего развития внедряясь в архитектуру и офисы современных IT компаний.


    Прочитать

    Вы сообщили, что в этом сообщении содержится Спам.

    Ваше обращение будет рассмотрено модераторами.

  • Екатерина Гарифуллина - автор публикации История дизайна 19 век: нечестный дизайн и боязнь пустоты. Часть 5.
    Отмена
    История дизайна 19 век: нечестный дизайн и боязнь пустоты. Часть 5.

    Сообщение будет помечено как спам. Указать другую причину:

    Боязнь пустоты

    1851 г. Выставка всех народов, Англия. Мануфактуры растут как грибы, теперь чтобы сделать “богатый орнамент” не нужны сотни часов кропотливой работы, достаточно включить станок под присмотром работника низкой квалификации. Предметы народного потребления отличает обильный декор и пышный стиль.

    Чрезмерность, густой узор, нарочитая сложность. Чем больше излишеств, тем лучше - широкие массы жадно воспринимают такой “Нечестный дизайн”, фабричная штамповка выглядит как дорогие предметы ручной работы. Итальянский искусствовед Марио Прац ввел даже термин horror vacui - боязнь пустого пространства для емкого описания дизайна той эпохи.




    Нечестный дизайн и Генри Коуэл

    В 1851 г. Генри Коуэл - один из организаторов Великой выставки всех народов собирает особенно неудачные работы в музейную экспозицию “Декорирование на ложных принципах” с целью наглядно показать широкой общественности разницу между хорошим и плохим дизайном.

    Почти в это же время, 1849 г. появляется и первый специализированный журнал о дизайне “Журнал дизайна и производства” под редакцией того же Генри Коуэла. Во многом этим журналом закладываются современные основы дизайнерского мышления, его двойственная направленность. Во-первых, он строго направлен на утилитарность современного предмета, во-вторых на придание красоты этой утилитарности.

    Проще говоря, любая вещь приобретает две составляющих - практическую и эстетическую. Функциональность первична, эстетика - дополнение. Теперь перепутать их - дурной вкус.

    Так, багодоря дурновкусию и “нечестному дизайну” появляется дизайнер, как самостоятельная профессия. Начинается новый виток реформации дизайна.


    Прочитать

    Вы сообщили, что в этом сообщении содержится Спам.

    Ваше обращение будет рассмотрено модераторами.

  • Екатерина Гарифуллина - автор публикации Промышленная революция в истории дизайна. Часть 4.
    Отмена
    Промышленная революция в истории дизайна. Часть 4.

    Сообщение будет помечено как спам. Указать другую причину:

    Двигатели перемен. 

    К промышленной революции можно относиться по-разному, с одной стороны, отходит на второй план мастерство ремесленника, виртуозно владеющего приемами создания изделия. На место мастера приходят двое, первый - дизайнер, создающий идею, а вторые - рабочие, каждый владеющие одним или двумя техническими приемами.

    Во дворцы, ранее украшенные в витиеватое барокко, вырывается массовое производство. Джозайя Веджвуд, “отец английской керамики”, после того как королева Шарлотта, жена герцога Георга третьего, заказала у него кремовый-кофейный сервиз, переименовал свою продукцию в “королевские товары” и пустил ее в массы. Обычному горожанину стали доступны товары, эскизы к которым сделали выдающиеся художники и мастера дизайна того времени. 
    На базе неоклассицизма зарождается новый стиль - бидермейер. Он шуточно образован от слов Bieder (респектабельный) и Meier (распространенная немецкая фамилия). Так появился стиль прямо декларирующий респектабельную массовость, повторяемость. Так, средний класс получил доступ к эстетической тонкости по доступной цене.


    Победное шествие бидермейер

    Бидермейер захватил не только керамику Джозайя Веджвуда, но и мебельное производство, и вот вам яркий пример - фабрика Danhauser, которая оказывала заметное влияние на европейский дизайн 19 века во время промышленной революции. 
    Danhauser в 1814 г. издает рекламные брошюры, распространяя их как приложение к журналу, в которых публикует целые интерьеры, вписывая мебельные гарнитуры в пространство, предлагая идеи целиком в законченом виде. Мебель этой мануфактуры имела упрощенные, почти скудные черты, предвосхищая постмодерн. 
    Позже в 20 веке эти приемы и маркетинговые трюки заимствует IKEA в своих оформленных в виде комнат мебельных магазинах.


    Модель № 14

    Михаэль Тонет всего за 30 лет с 1830 по 1860 годы совершает настоящую революцию в дизайне. Экспериментируя с ламинированным деревом, берет склеенные тонкие древесные планки и гнет их под высоким давлением. В итоге выходит простая и изящная конструкция стула в стиле бидермейер.
    Этот стул оказал не меньшее влияние на современность, чем Маленькое чёрное платье Коко Шанель. Тонет представляет стул модели №14 на выставке всех народов в Лондоне, где получает золотую медаль, к 1891 г. было продано 7,3 миллиона стульев только этой модели, это выдающиеся достижения даже по сегодняшним меркам. 
    Всего этого помог добиться дезайнерский подход в духе того времени. Максимально упрощая конструкцию стула, к 1860 г. Модель №14 стоит дешевле одной бутылки вина, а в контейнер размером 1 кубический метр помещалось 36 стульев. 
    Промышленная революция окончательно изменила мир, дала доступ среднего класса к дизайнерским предметам, заложила философию современного дизайна. Теперь предмет не только должен быть красивым и функциональным, но повторяемым и компактным при транспортировке. Дизайнерское мышление окончательно утвердилось как рациональное.



    Прочитать

    Вы сообщили, что в этом сообщении содержится Спам.

    Ваше обращение будет рассмотрено модераторами.

  • Екатерина Гарифуллина - автор публикации История дизайна от Возрождения к Посвящению. Часть 3.
    Отмена
    История дизайна от Возрождения к Посвящению. Часть 3.

    Сообщение будет помечено как спам. Указать другую причину:

    Технологический и культурный подъем человечества. В этот период происходит раздвоение сущностей, ремесленник продолжает решать практические задачи наравне с решением задач эстетических, появляется профессия дизайнера, а изобретение первого печатного станка Йоста Аммона в 1568г. делает возможным широкое тиражирование идей. 

    Классицизм - возвращение к античному искусству

    Один за другим начинают появляться направления дизайна классицизм в 16 веке сменяется барокко, потом рококо, но обо всем по порядку. 

    Классицизм берет свое начало во фреске Рафаэля «Афинская школа» (1511) и будет популярен аж до 19 века. По сути, это возвращение к античному искусству на новом технологическом уровне. Это стиль строгой формы и ясного пространственного решения, симметрия во всем, помпезность и эстетическая завершенность в конце 16 веке сменяется более динамичным и витиеватым барокко.

    Классицизм - возвращение к античному искусству


    От паломничества к променаду, или черты барокко

    В конце 16 века на смену классицизму пришел барокко. Это не только время причудливых и витиеватых форм в интерьерах, но и настоящая культурная революция. 

    Изменился способ мышления и даже развлечения: вместо паломничеств — променад (прогулки в парке); вместо рыцарских турниров — «карусели» (прогулки на лошадях) и карточные игры; вместо мистерий — театр и бал-маскарад.

    Из интерьеров и скульптур уходят библейские сюжеты им на смену приходят портреты и пейзажи. Мебель была предметом искусства и предназначалась практически только для украшения интерьера. Стулья, диваны и кресла обивались дорогой, богато украшенной тканью. Были широко распространены огромные кровати с балдахинами и струящимися вниз покрывалами, гигантские шкафы. Зеркала украшались скульптурами и лепниной с растительным узором. В качестве материала для мебели часто использовался южный орех и цейлонское чёрное дерево. 

    Воспроизведения атмосферы стиля барокко в настоящее время возможно с помощью стилизации и использования таких деталей как: статуэтки и вазы с растительным орнаментом; гобелены на стенах; зеркало в золоченой раме с лепниной; стулья с резными спинками.

    Интерьер в стиле барокко


    Просвещение и неоклассицизм

    На смену Барокко приходит целый калейдоскоп стилей. Директория, ампир, неоготика, но именно с неоклассицизма начинается промышленная революция. 

    Приходит Эпоха Просвещения. Неоклассицизм был выдающимся стилем в живописи, архитектуре и дизайне на протяжении 80 лет с 1750-1830 гг. Он перевел классические правила пропорций в модернистскую форму. 

    На изображении - стулья Николая Абильдгора, яркий пример неоклассического дизайна. В 18 веке книга “Анализ красоты” Уильяма Хогарта вновь возвращает дизайн к простоте - эстетическая красота предмета достигается его функциональной целесообразностью, а не привнесенной декоративностью. 

    Дизайнерские предметы снова начинают соответствовать своему назначению, эта смена парадигмы ознаменовала начало промышленной революции и нового витка развития дизайнерского мышления.

    Стул Николая Абильдгора, яркий пример неоклассического дизайна


    Прочитать

    Вы сообщили, что в этом сообщении содержится Спам.

    Ваше обращение будет рассмотрено модераторами.

  • Екатерина Гарифуллина - автор публикации История дизайна от истоков до средних веков. Часть 1.
    Отмена
    История дизайна от истоков до средних веков. Часть 1.

    Сообщение будет помечено как спам. Указать другую причину:

    На протяжении веков дизайнеры, инженеры и ремесленники определяли облик будущего. “Хороший дизайн - не вопрос богатства и в самую последнюю очередь вопрос моды. Это не вопрос новизны ради новизны, а вопрос создания городов, домов и предметов, которые наилучшим образом будут отвечать человеческим потребностям в практичных, простых, долговечных и красивых вещах, которыми можно пользоваться и наслаждаться в повседневной жизни.” Манифестом Э. Бертама 1938 г. мы открываем серию постов о том как появились все рукотворные предметы, небольших заметок об истории дизайна.Мы начнем с самых истоков и по кирпичикам выстроим историю дизайна и ремесла. Эта история появления массового производства и одновременно уникальных предметов отражающих не только особенный взгляд автора, но и исторический контекст.

    История дизайна


    Истоки

    Первый дизайнер - это ремесленник, чьей основной целью было решить прикладные задачи: построить дом, произвести предметы быта и охоты. На заре цивилизации дизайн во многом определялся развитием технологии. Сначала был изобретен гончарный круг, который стал прообразом колеса, изобретенного значительно позже. 

    Поэтому первый дизайн был дизайном ручным, но массовым, не стремящимся к особенности, не претендовал на авторство. Прикладное значение было превыше индивидуальности. Индивидуальность - гораздо более позднее изобретение. Сейчас мы стремимся окружить себя предметами уникальными, неповторимыми как бы бунтуя против стандартизации, фабричности. 

    Дизайнерское мышление на заре цивилизации можно проиллюстрировать на примере обычного кирпича - его легко произвести по определенному стандарту, его форма настолько совершенна, что она мало изменилась с течением тысячелетий. На кирпичах построена Римская империя и сегодняшняя Москва, а первые найденные кирпичи датируются 3200 г. до н.э.

    Стандартизация, повторяемость, отсутствие уникальности - таким был дизайн древнего мира. Утилитарная направленность - его основная характеристика. В это время технология определяет дизайн.

    Дизайн кикпеча


    Древний мир, рождение массового производства

    Первый император Китая Цинь Шихуанди использовал силу дизайна и массового производства ради завоеваний. Именно благодаря дизайну Цинь Шихуанди объединил семь Сражающихся царств в самую могущественную державу в мире. Он же приказал построить великую китайскую стену из тех же “дизайнерских кирпичей”. 

    Ремесленники того времени были организованы в ячейки, им в которых применялись стандартные нормативы и процедуры контроля качества. Например, оружие того времени производилось в точном соответствии со спецификацией и все детали были полностью взаимозаменяемыми. Так, если ломалась секция арбалета, ее можно было легко заменить точно такой же. Дизайн формирует конкурентное преимущество и выигрывает войны, преследуя вполне конкретные утилитарные цели.

    Из стандарта рождается и настоящее искусство, например, тонкая бело-голубая фарфоровая посуда, которую с 18 века начали импортировать в Европу. Такая посуда - верх изящества и современности по сравнению с кустарной и примитивной Европейской керамикой того времени. А ведь эта технология массово применялась в Китае уже в 221 г. до н.э.Дизайн по прежнему остается массовым, прикладным, стандартизированным. На основе такого дизайна Древнего Рима и Китая начинает свое становление Европейский средневековый дизайн.

    Китайская ваза ручной работы


    Прочитать

    Вы сообщили, что в этом сообщении содержится Спам.

    Ваше обращение будет рассмотрено модераторами.

  • Екатерина Гарифуллина - автор публикации Рекомендации по одежде и аксессуарам для куклы Тильда
    Отмена
    Рекомендации по одежде и аксессуарам для куклы Тильда

    Сообщение будет помечено как спам. Указать другую причину:

    Одежда для куклы имеет несколько особенностей. Многие делали одежды пришиваются непосредственно к телу, а иногда и тело комбинируется с другой тканью, имитируя часть туалета куклы: например, купальник, корсет, гольфы.

    Виды одежды и аксессуары меняются в зависимости от времени года и темы - день рождения, морское путешествие, пикник и прочее.

    Весна- пора ярких тканей, легких немногословных нарядов. Аксессуарами могут быть птицы, цветы, веточки, клетки.

    Лето- красочные ткани с различными принтами. Из них шьют сарафаны, платья, полукомбинезоны, шляпки, панамы, платки. Из аксессуаров прекрасно подойдут ведерки, лейки, овощи, фрукты, ягоды. Летом также актуальны морская тематика и наряды в морском стиле.

    Осень- пора приглушенных красок, спокойных тканей, легких курток, полупальто, зонтиков.

    Зима- это новогодние куклы: в пальто, колпаках, шапках, шарфах и варежках. В качестве аксессуаров используются санки, лыжи, коньки, посохи, мешки с подарками.

    Одежду и головные уборы можно не только шить, но и вязать крючком или спицами. Если речь идет о теплых осенне-зимних вещах, вязать следует из плотных ниток, выбирая соответствующий вид вязки. А если это летние вещи - шапочки, болеро, - подойдут нитки мулине.

    Прочитать

    Вы сообщили, что в этом сообщении содержится Спам.

    Ваше обращение будет рассмотрено модераторами.

  • Екатерина Гарифуллина - автор публикации Немного об истории, видах кукол и тильда-стиле
    Отмена
    Немного об истории, видах кукол и тильда-стиле

    Сообщение будет помечено как спам. Указать другую причину:

    История появления кукол Тильда

     
    Кукла «Тильда» впервые была сшита в Норвегии в 1999 году и быстро стала популярной. Автор - скандинавский дизайнер Тони Финнангер. Идея возникла очень просто, Тони захотела украсить домашний интерьер чем-то уютным, теплым и родным. Из материала дома нашлись кусочки белого льна. Без особой хитрости, Тони смастерила первую в мире необычную куклу - Тильду! Она очаровала своим простым, утонченным, трогательным образом. Позднее Тильда стала известна всему миру, появились не только куклы, но и зайцы, коты, жирафы и даже предметы декора в таком стиле. Для изготовления применяется лен, хлопок, бязь, сатин и даже шерсть, а также декорирования кукол – пуговки, ленточки, кружевная тесьма.


    Тильда-стиль

     
    У тильда-кукол есть отличительные особенности: лицо без четких очертаний с точками вместо глаз и розовыми щечками. Иногда встречаются куклы с крыльями и коронами. Куклы лаконичны, отсутствуют лишние детали. Очень женственны, с длинными ножками, но округлыми плавными формами.



    Для пошива кукол используется ткань: лен, хлопок, бязь, сатин и даже шерсть. На ткани иногда есть цветочный рисунок или мелкий орнамент.
    Игрушки получаются причудливые, наивные, скромными, романтичные и смешные - приковывают взгляд и мгновенно вызывают улыбку.
     

    Игрушки иногда бесшовные, без носика, а иногда со швом, проходящим вдоль лица с небольшим выпуклым носиком.


    Разновидности игрушек

     
    Разновидность игрушек стиля Тильда очень большое: зайцы, коты, лошадки, мышки, медведи, улитки, слоники, куклы-ангелы, принцессы, феи.
     
    Но теперь и распространены предметы декора в стиле Тильда:
    сладости, ракушки, звезды, замки, игольницы.
     



    Прочитать

    Вы сообщили, что в этом сообщении содержится Спам.

    Ваше обращение будет рассмотрено модераторами.